Mit mehr als einem Jahrzehnt gemeinsamer Arbeit präsentiert La Martino Orquesta Típica Tiempo de Amar o Morir, ein Album, das die klangliche Identität der von Nehuen Martino geleiteten Formation weiter vertieft. Mit fünfzehn Musiker:innen auf der Bühne verbindet das Ensemble die Tradition der großen Tango-Orchester der 1940er- und 1950er-Jahre mit einer zeitgenössischen Suche, geprägt von elektrischer Gitarre, zwei weiblichen Stimmen und einer starken kompositorischen Handschrift.
Die in Buenos Aires beheimatete Orchesterformation, die 2017 für ihr Debütalbum für den Premio Gardel nominiert wurde, hat sich innerhalb der heutigen Tangoszene eine eigene Sprache erarbeitet. Auf diesem neuen Werk bewegen sich die Songs zwischen urbanen Landschaften, von Verlust geprägten Beziehungen und einem sensiblen Blick auf die gegenwärtige argentinische Realität.
In diesem Interview mit Tango21 spricht Nehuen Martino über den kreativen Prozess hinter dem Album, die ästhetische Entwicklung des Orchesters, die Zusammenarbeit mit zeitgenössischen Dichtern sowie über die Herausforderungen, ein unabhängiges kollektives Projekt im aktuellen kulturellen Kontext Argentiniens aufrechtzuerhalten.
Tango21: Tiempo de Amar o Morir (= Zeit zu lieben oder zu sterben)ist ein kraftvoller Titel, fast ein existenzielles Ultimatum. Gab es einen konkreten Moment, ein Bild oder eine Krise, die das Werk ausgelöst hat?
Nehuen Martino: Das ist eine etwas längere Geschichte, aber ich versuche, sie zusammenzufassen. Zunächst gibt es einen Walzer mit dem Titel Era un tiempo de amar o morir. Dieses Stück entstand zwischen 2014 und 2015 gemeinsam mit Mariano Pini und hieß ursprünglich Naufragio. Später stellten wir fest, dass es bereits ein Stück von Alejandro Guyot mit diesem Titel gab, also entschieden wir uns, ihn zu ändern.
Als ich über dieses Album nachdachte, das mit dem zehnjährigen Bestehen des Orchesters zusammenfiel, erschien es mir interessant, dieses Werk nach fast einem Jahrzehnt wieder aufzugreifen. Pini schlug vor, es komplett neu zu gestalten: Er änderte den Titel und schrieb einen neuen Text.
Das Kuriose daran ist, dass ich ursprünglich die Musik auf einen Text komponiert hatte, den er mir für Naufragio geschickt hatte. Später schrieb er den Text erneut – diesmal auf Basis der Musik. Wir wissen bis heute nicht genau, was zuerst da war: die Musik oder das Wort. Doch letztlich gab dieses Stück dem Album seinen Namen, weil der Geist aller Songs mit dieser Idee verbunden ist.
Stücke wie El Rey de Constitución gehören ebenfalls zu diesem Universum. Pini schrieb einen Roman, der im Stadtteil Constitución spielt, und mehrere Songs des Albums sind von dieser urbanen, rauen Atmosphäre geprägt. Die Ästhetik des Albums verweist auf diese Landschaft, aber auch auf die Zeit, in der wir leben: eine Epoche ohne viele Zwischentöne, in der alles extremer erscheint.
Der Titel war ein Vorschlag von Pini. Ich brachte ihn in die Gruppe ein, und allen gefiel er sofort. Wir hatten diese Idee bereits in einer gemeinsamen Bühnenproduktion verwendet, mit der wir zehn Jahre Zusammenarbeit zwischen Musik und Poesie feierten.
Ich glaube, der Titel fasst die Zeit, die wir gerade erleben, sehr gut zusammen: eine Zeit der Liebe, der Spannung und des Widerstands. Das Orchester entstand und wuchs in komplexen Jahren, geprägt von Wirtschaftskrisen, politischen Veränderungen und der Pandemie. All das spiegelt sich zwangsläufig in unserer Musik wider. Für uns ist die Idee klar: Wenn wir dieses Projekt nicht lieben, stirbt das Projekt.
„Amar o Morir“ fasst dieses Gefühl zusammen. Es hat mit dem aktuellen Kontext zu tun, aber auch mit der Geschichte des Orchesters. La Martino hat mehr als zehn Jahre Arbeit hinter sich – ein kollektives Projekt, das unter schwierigen Bedingungen am Leben gehalten wurde. Eine unabhängige Tango-Orchesterformation aufrechtzuerhalten, verlangt enorme Überzeugungskraft; in gewisser Weise bedeutet es, dieses Projekt entweder zutiefst zu lieben oder es sterben zu lassen.
Tango21: Die Songtitel – Rotos de Amor, Baraja Muerta, El Rey de Constitución, Paisaje Gris, Curda de Espinas, La Rabona, Era un tiempo de amar o morir – zeichnen eine sehr porteñische und raue Landkarte. Mit wem hast du die Texte für dieses Album entwickelt, und wie verlief dieser gemeinsame kreative Prozess?
Nehuen Martino: Ich habe Tango immer als Sprache der Kontraste verstanden: Schwarz oder Weiß, Spannung oder Ruhe, Staccato oder Legato, Intensität oder Intimität. In seiner Ausdrucksweise liegt etwas Extremes, und das verbindet sich mit der Idee von „lieben oder sterben“, die das Album durchzieht.
Auf gewisse Weise spiegelt der Tango auch die argentinische Mentalität wider. Wir leben in einer Logik plötzlicher Wechsel, springen schnell von einem Extrem ins andere – und diese emotionale Intensität taucht ganz natürlich in den Texten und in der Musik auf.
Für dieses Album arbeitete ich vor allem mit den Texten von Mariano Pini, die einen großen Teil des erzählerischen Universums geprägt haben. Außerdem gibt es Beiträge von Robert Stella, dessen Schreiben dem Album eine weitere poetische Nuance verlieh. Der kreative Prozess verlief sehr organisch: Die Texte gaben Bilder, Figuren und Atmosphären vor, und daraus entwickelte ich die Musik.
Viele der Songs entstehen aus gemeinsamen Erfahrungen, aus dem sozialen Kontext und aus dem, was es bedeutet, ein künstlerisches Projekt in Argentinien aufrechtzuerhalten. Das Album wird von einer Idee absoluter Hingabe durchzogen, von dem Gefühl, dass ein Projekt nicht überlebt, wenn man sich ihm nicht vollkommen verschreibt.
Der „Abgrund des Vergessens“, von dem im Dossier die Rede ist, hängt auch mit der aktuellen kulturellen Realität zusammen. Der Mangel an Unterstützung, die Knappheit an Spielorten und die Schwierigkeiten unabhängiger Projekte erzeugen ein permanentes Gefühl der Unsicherheit. Das beeinflusst nicht nur die künstlerische Arbeit, sondern auch die Beziehungen innerhalb der Szene.
Deshalb haben die Songs diesen rauen, urbanen Ton: Sie erzählen von konkreten Erfahrungen, vom Widerstand und davon, weiter zu erschaffen, selbst wenn alles am Limit scheint.
Tango21: von der Gardel-Nominierung bis heute: Welche Veränderungen bemerkst du in deiner kompositorischen Sprache seit der Nominierung für das erste Album im Jahr 2017?
Nehuen Martino: Es gab sehr viele Veränderungen, auch wenn man sie von innen heraus oft nicht vollständig wahrnimmt. Häufig sind es die Musiker:innen des Orchesters oder Menschen, die das Projekt von außen verfolgen, die sagen: „Das klingt ganz nach La Martino.“ Erst dann erkennt man, dass sich tatsächlich eine Identität herausgebildet hat.
Das Orchester hat verschiedene Phasen durchlaufen und ich ebenfalls. Die Suche, die Interessen und die Vorstellung vom Klang haben sich verändert. Von Anfang an gab es einen starken Einfluss der Ästhetik von Alfredo Gobbi, der im ersten Album noch eher punktuell auftauchte, später jedoch struktureller wurde.
Mit der Zeit entwickelte sich eine besondere Art, für das Orchester zu schreiben, insbesondere in der Behandlung der Bandoneons, bestimmter rhythmischer Schleifer und einer spezifischen Art, Spannung aufzubauen. Heute erkenne ich diese Elemente als Teil der eigenen Sprache von La Martino.
Auch harmonisch und rhythmisch hat sich vieles weiterentwickelt. Die Musiker wechseln im Lauf der Jahre, und das verändert zwangsläufig die Art des Schreibens. Jede Besetzung bringt eigene Möglichkeiten, Energien und Stärken mit sich.
Ein wichtiger Wendepunkt war die Komposition der Sinfonía Estelar Tanguera. Dieses Projekt entstand parallel zu diesem Album und hinterließ deutliche Spuren in meiner Schreibweise. Nach der Arbeit an einer sinfonischen Komposition veränderte sich meine Beziehung zu Form, Harmonie, orchestraler Farbe und melodischer Entwicklung.
Gleichzeitig verspüre ich heute auch das Bedürfnis, zu einem stärker canyenguen, ursprünglicheren Tango zurückzukehren. Doch selbst diese Rückkehr geschieht inzwischen aus einer anderen Perspektive. Nach zwölf Jahren Entwicklung bleibt der Kern derselbe, auch wenn sich die Sprache verändert.
Tango21: Victoria Tolosa und Alexandra Vega teilen sich die gesungenen Stücke sehr präzise auf. Beruht diese Verteilung auf dramaturgischen, stimmlichen oder poetischen Kriterien?
Nehuen Martino: Es war eine Mischung aus emotionalen, künstlerischen und praktischen Kriterien. In manchen Fällen hing die Entscheidung, wer ein bestimmtes Stück singt, eng mit der Geschichte hinter dem Song zusammen.
Bei Rotos de Amor ergab sich die Stimme von Victoria Tolosa fast selbstverständlich. Der Text basiert auf einer persönlichen Trennungserfahrung, die ich vor einigen Jahren gemacht habe. Ich erzählte diese Geschichte sowohl Pini, der daraus den Text entwickelte, als auch Victoria, die den emotionalen Hintergrund sehr gut kannte.
Während dieser Zeit war Alexandra Vega aus gesundheitlichen Gründen vorübergehend nicht Teil der Orchesterarbeit, und Victoria übernahm ihren Platz. Sie erlebte diese Phase sehr nah mit, weshalb sie letztlich die passende Interpretin für dieses Stück wurde.
Für Alexandra wiederum entstanden einige Songs gezielt mit ihrer Stimme im Kopf. Sie studierte damals klassischen Gesang und hatte eine starke Verbindung zu Pinis Texten. Einige Stücke wurden speziell auf ihre stimmliche Ausdruckskraft und ihre Art, Texte zu interpretieren, zugeschnitten.
Darüber hinaus gab es auch eine ausgewogene Verteilung, damit beide Sängerinnen innerhalb des Albums ihre eigenen Wege entwickeln konnten. Victoria interpretiert Stücke wie Paisaje Gris und Curda de Espinas, während Alexandra in Era un tiempo de amar o morir und Baraja Muerta zu hören ist.
Im Live-Kontext bleibt diese Verteilung jedoch flexibel. Beide Sängerinnen interpretieren je nach Konzert unterschiedliche Stücke. Für die offizielle Albumpräsentation halten wir uns allerdings an die Originalversionen der Aufnahme.
